Bloggero arrepentido...
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Las fotos de Google Maps y el arte de la fotografía...
Al indicarle como llegar a tal sitio utilizamos Google Maps, para ser más gráficos, y se nos ocurrió si se podría tomar fotos de este servicio y convertirlas en arte. Y, si fuera factible, de quien serían los derechos...
Aquí la foto mencionada:
Aquí las vistas de Google Maps:
Y aquí un intento de convertirse en fotógrafo de paisajes sin tener que viajar realmente:
¿ Bastaría con vagar por todo el mundo sin rumbo fijo?
Composición, política, salven el planeta, "Only Raw" y el Concepto de Aura...
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A casi cuarenta años, cuando imaginábamos entrar en una nueva era fotográfica donde colmaríamos nuestros deseos de realización artística gracias a la tecnología digital, y precisamente con la ansiedad de aprender de los grandes maestros, nos encontramos con una videoconferencia cuyo tema nos atrajo de modo irresistible: La Composición, con mayúsculas. Pero, en lugar de satisfacernos con los sustanciosos conceptos insinuados por el título, sólo nos sorprendimos por los deshilvanados comentarios del ponente con duración de más de una hora, pasando por la política y la ecología.
Aquí surge un tema que por defecto no nos interesa: la militancia política del artista, bastante bien tratado por Mario Vargas Llosa refiriéndose a la literatura. En cambio, cuando el ilustre conferencista llama "falsos dioses" a los programas de edición digital como el Photoshop, nos interesa mucho el tema. Pero no por fanatismo, pues apenas lo utilizamos para conseguir algunos efectos logrados antaño en el cuarto oscuro, aunque esperamos seguir aprendiendo su manejo, sino porque nos parece una confusión de actitudes ante el arte bastante sencilla en la que incurren quienes se autonombran "puristas". Actitud manifestada por la "repulsión que muchos fotógrafos tienen con los "trabajos de cocina".
Pero antes de enfrentarlos a la decepción compositiva, les presentaré un artículo de nuestra vieja revista del año 1973 para ir entrando en el tema principal.
"Es comprensible el sentimiento de repulsión que muchos fotógrafos tienen con los trabajos de cocina..." Estas son las palabras de introducción al artículo principal del presente número de nuestra vieja revista para referirse a los fotógrafos creativos. Estos eran, en aquellos tiempos, quienes practicaban el sándwich, solarizaciones y demás trucos permitidos por la tecnología. Así, podríamos llamar "cocineros", si no es que "gourmets" por lo que pueden hacer algunos, a los fotógrafos fanáticos del Photoshop.
"Muchas fotografías son obras de arte, esto es algo evidente para los iniciados. Sin embargo esta afirmación se ve muchas veces discutida, ya que la fotografía también tiene un papel netamente utilitario. Entre la fotografía artística y la simplemente documental hay una gran diferencia, pero sus fronteras están mal definidas."
Documental o artística, esa es la cuestión. El arte siempre se ha manifestado a través de un continuo que va de lo objetivo a lo subjetivo, pasando por diferentes grados. Estos han tenido sus respectivos nombres: realismo, naturalismo, impresionismo, expresionismo... Y la fotografía se puede adjudicar cualquiera de ellos, sin preguntar por la opinión de la pintura, la cual le debe algunas cosas en su denominación impresionista según la revista: "el encuadre, el movimiento suspendido, la perspectiva, los contraluces, etc." Sigue la revista: "Dalí no niega nunca sus fuetes de inspiración fotográficas, y [ que ] en alguna ocasión dijo, no sin humor, que la pintura es fotografía hecha a mano".
"El que los pintores y los diseñadores se inspiren en fotografías o las copien y que los fotógrafos traten de producir imágenes imitando más o menos felizmente las telas de los grandes maestros, carece de interés. Lo importante es que existe un campo infinitamente vasto que los fotógrafos no han explorado más que con mucha timidez: el que revela propiamente el campo fotográfico."
Y aquí llegamos a lo más interesante del artículo: "Muchos fotógrafos se escandalizarán, pero lo único que pretendemos hacer, es constatar la evolución del sentido fotográfico. La imagen obtenida con una cámara no puede simplemente constituir un fin en si misma, como se piensa en general. Es también punto de partida, un material para trabajarlo a fin de obtener una forma de expresión".
Y finaliza: "Nuestros ejemplos prueban que la discusión carece de objeto. Contemplamos poemas en imágenes que exigen una concepción lo suficientemente sofisticada, como para transformar una foto banal en un poema fotográfico".
Era el año 1973 y ya la discusión carecía de interés, aunque los fotógrafos se mostraban tímidos al respecto. Steichen había "fallecido recientemente, después de contribuir a llamar la atención del público sobre obras completamente originales".
Regresando a la videoconferencia, empezamos por aclarar que la "Only Raw" no define una corriente artística como las mencionadas anteriormente, sino que nombra un requisito para participar en determinados concursos fotográficos cuyo tema es la Naturaleza, con mayúsculas. No es más que una iniciativa para evitar fraudes en dichos concursos, impidiendo el triunfo de fotógrafos muy imaginativos.
Sin embargo, partiendo de dicha iniciativa, nuestro conferencista toma la frase como estandarte para erigirse en portavoz de una corriente artística inexistente. Todo lo cual tampoco nos interesa. Debemos comprender que desde su nacimiento la fotografía fue considerada inferior a la pintura, y como hemos visto, todavía en los años setentas estaba luchando por su reconocimiento artístico. Por esto, es natural que ahora el resentimiento acumulado por dicho menosprecio se descargue sobre los fotógrafos digitales que manipulan las imágenes sin haber pasado horas en el laboratorio entre líquidos reveladores. No pudiendo considerarse igual a la pintura, busca sentirse superior a la computadora.
"Raw" designa el "negativo digital", impuesto por los mismos creadores del falso dios Photoshop, y traspasar los límites de un concurso cumpliendo con la exigencia de no alterarlo fuera de la cámara para transferir el requisito a todas las manifestaciones posibles del arte fotográfico es una actitud tan desilusionante como la videoconferencia de nuestro artista,
http://es.wikipedia.org/wiki/Jos%C3%A9_Benito_Ruiz
muy respetado internacionalmente y por cuya biografía precisamente nos animamos a echarle un ojo al video en cuestión.
http://217.116.9.134/fundacion1/index.asp?Multicanal=FU1&programa=PR36&emision=1
Actitud no manifestada expresamente, pero insinuada por el tono despectivo utilizado al hablar de "los falsos dioses" refiriéndose al Photoshop; igual que otro de los adheridos al only raw llama "ilustradores digitales" a los fotógrafos que lo utilizan.
http://oriolalamany.blogspot.com/2008/03/iniciativa-only-raw.html
Manifiesta o no, tratándose de fotógrafos de la naturaleza, su actitud es muy comprensible; lograr fotos maravillosas de paisajes naturales debe implicar más cosas además de talento: gastos para viajar a través del mundo, es decir, dinero; paciencia para captar la mejor iluminación, es decir, tiempo. Con todas las molestias que viajar y permanecer a la intemperie puedan ocasionar. Por todo esto, que un simple "ilustrador digital", que no hace tal vez más que encimar y traslapar "layers" para lograr los más extasiados paisajes sin dejar la comodidad de su hogar, llegue a los concursos y se lleve el premio mayor debe causarles más molestias a los "puristas" que todos los viajes alrededor del mundo.
En fin, mientras los "puristas" de la "Only Raw" mantengan sus exigencias dentro de sus concursos, el mundo del arte no tendrá nada que temer; su grandeza es infinita y nunca ninguna "corriente artística" podrá recorrerla toda. Nosotros trataremos al mismo tiempo de llenar el vacío en nuestra comprensión de la teoría de la Composición, pues si el conferencista hubiera mantenido sus comentarios dentro del tema, no consideraríamos desperdiciada la hora y media que dura el video. Y tal vez nos enrolaríamos en las filas de la only raw seducidos por su sapiencia, pues por más que nos esforzamos, no logramos avanzar tanto en nuestra comprensión del Photoshop. Algunos dioses son crueles...
Para terminar, la conferencia y este "post", no resistimos elogiar la inteligencia de un asistente, quien preguntó si no estaría el maestro haciendo lo mismo que les reprocha a los adoradores de falsos dioses, al colocar detrás del sujeto una fotografía con el fondo deseado para su toma. Responde airosamente el ponente que no, puesto que él ya tenía la idea "antes" de hacer la foto...
De manera que la validez de una fotografía, sea digital o analógica, depende de la previa concepción de la idea, no de la técnica, en este caso, del truco, utilizados. ¿Donde quedó el "purista" y empezó el "ilustrador"? ¿Cómo comprobar si el artista ya tenía la idea "antes" o la encontró "después" de experimentar? ¿Y a quien le importa? Recordemos algo mencionado más arriba: "La imagen obtenida con una cámara no puede simplemente constituir un fin en si misma, [ ] Es también punto de partida, un material para trabajarlo a fin de obtener un forma de expresión".
Hablando de las relaciones entre la fotografía y la pintura, Oscar Marín Repollet dice a propósito del retoque digital: "De algún modo este neopictorialismo con el tiempo se verá coronado por el concepto de aura, el tratamiento digital de la imagen permite ampliar su contenido simbólico".
Y esta es la verdadera cuestión en todo este discurso sobre el "purismo" y los "falsos dioses". El Concepto de Aura, creado por el filósofo Walter Benjamín en su libro "La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica", cuyo título conviene mucho a la fotografía. Para quien quiera romperse un poco más el cráneo sugerimos este sitio donde parece actualizado el tema o algo así: http://www.wbenjamin.org/obra_de_arte.html
De momento, parece que el concepto de aura se refiere a ciertas cualidades percibibles, no sólo tangibles, en la obra de arte. El aura sería: "una objetividad metafísica que se sobrepone o sustituye a la objetividad meramente física de la presencia material". Pero, sin profundizar tanto en cuestiones filosóficas, debemos considerar que los fotógrafos verdaderamente "puristas" son los que trabajan en el cuarto oscuro, utilizando materiales de laboratorio y película fotográfica en cualquier formato, produciendo sus fotografías de manera artesanal, por decirlo así, negándose incluso a recortar el negativo para lograr un mejor encuadre. (Y también menosprecian a los fotógrafos digitales, aunque pertenezcan a la "Only Raw").
Como pensando en este concepto del aura, la revista dice: "Hoy la fotografía gracias a los progresos realizados en el color, el relieve, la plastificación y la impresión en telas, que dan a las fotos una perennidad y una nobleza en el soporte que le faltaban, se encuentra en disposición de jugar un papel considerable en el desarrollo artístico de nuestra sociedad". Era el año 1973. Y hablando del soporte donde se imprime una fotografía, en la actualidad los fotógrafos digitales pueden recurrir a papeles de gran calidad para proveer de aura a sus fotografías, acompañándolas de un número de serie y su firma.
Y a quienes les preocupe verdaderamente la composición, recuerden las palabras de Edward Weston: "Una buena composición es sólo el medio de presentar con mayor intensidad al sujeto".
La mujer y el mar... la real irrealidad...
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También podrían preguntarse porqué Gerard Laurent coloca sus redes frente a la belleza impidiéndole emerger hacia su playa...
La composición de la fotografía y la descomposición de Witkin...
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En una película de terror y suspenso, la protagonista, estudiante de fotografía, hojea un libro con imágenes de la muerte. En ese momento de la historia, como el espectador, ella está muy interesada en el tema. Por eso, al detenerse la cámara un segundo en las manos de la fotógrafa se me grabó la palabra Witkin, escrita en el lomo del volumen.
Las fotos de sus cadáveres descompuestos y acomodados de manera tan esmerada son algo espantoso, pero transformado por la buena composición en arte maravilloso. Witkin está obsesionado con la muerte, también la heroina de la película. En su infancia, los dos sufrieron experiencias repugnantes que les sirven para crear lo bello con los materiales menos pensados para lograrlo.
"Puede hacerse una foto a un montón de libros o botellas de vino puestos sobre una mesa. Pero si se les coloca artísticamente y se ilumina bien, yo creo que por sí mismos son una válida realización". Esto afirmaba Stephen Lynch por el año 1973, fotógrafo invitado de nuestra vieja revista. Así que, miembros amputados o botellas de vino, todo vale mientras esté bien puesto.
Esta es una de sus composiciones.
"Pretendo con mi fotografía hacer una cración con cualquier sujeto" dice Stephen Lynch al lado de esta composición nostálgica, remembranza de las miniaturas de Vermeer (según él). Para lograr el efecto de "antigüedad" aplicaba "diversos tratamientos al film (enfriamiento y calentamiento rápido)". Imagínense, tanto proceso... y volvemos a lo mismo: ahora con el Photoshop basta con unos cuantos clicks... http://disderifotografia.blogspot.com/2009/12/el-primer-numero-se-perdio-veamos-el.html
http://disderifotografia.blogspot.com/2010/04/visiones-creadoras-velocidad-increible.html
Aquí Witkin...
Si el Stephen Lynch de arriba es el mismo de aquí http://www.stephen-lynch.com/ podemos ver como se actualizó en las técnicas de difusión de su obra, pero abandonó su teoría de la composición con cualquier sujeto. En aquellos años comentaba refiriéndose al fotoperiodismo: "...Particularmente puedo decir que no disfrutaba en este trabajo, porque tenía la sensación de ser un simple espectador de los acontecimientos, y carecía de control sobre lo que fotografiaba". Esa rebelión ante la pasividad y la exigencia de control están ausentes en sus galerías actuales. Vemos en ellas ahora resignación y renuncia; ya no hay obsesión... O quizá simplemente cambió "su línea de trabajo"...
Se despide Stephen con un consejo: "... estudien en revistas y libros (cosa que hace este bloguero), y decidan después quién piensan es el más grande fotógrafo del mundo para después convertirse en su asistente" (tratándose de Witkin, ni estando loco).
Un fotógrafo sensible... y las clases sociales...
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Como "taxidriver" en Nueva York para sostenerse, encontró "cierta tensión en el aire", pues a los neoyorkinos les molestaba ser fotografiados. Los más hostiles amenazaron con cuchillos al fotógrafo.
En aquel tiempo -1972- la idiosincracia neoyorkina debía ser muy particular al respecto. Ahora, si lo mismo sucede en todo el mundo, será por causa de la globalización que todo lo iguala, pero más debido al internet. Aparecer en una página "maliciosa", por no decir pornográfica, es un temor involuntario de las personas más confiadas. Estas pueden ver imágenes de fraudes, chantajes, secuestros, etc., sugeridas por el noticiario de la mañana. Con el paso del tiempo, la gente desaparecerá del arte fotográfico a causa del temor a ser víctima de un crimen si se deja retratar... probablemente para el 2012, año apocalíptico. En las galerías de arte podrán apreciarse fotos maravillosas de paisajes, construcciones, animales, panorámicas... y de los amigos y parientes del fotógrafo.
La industria fotográfica deberá tomar medidas contra esto; si no, para qué querrá comprar cámaras el consumidor, si sólo podrá retratar a su gato y las plantas del corredor...
De momento, nos gustaría conocer la técnica del autor de este blog: http://onthecorner.com.ar/ ¿La idiosincracia argentina es más amable que la neoyorkina? ¿Será cuestión de clases sociales y no de paises? Tal vez Mitchell quería retratar trabajadores manuales portadores de cuchillos con mucho filo, gente de bajos recursos; en cambio, onthecorner toma fotos de transeuntes elegantes portadores de vestidos con mucho estilo, gente con buenos recursos. A menos que porten armas en sus bolsos de piel importada... En fin, que la sociología fotográfica nos ilustre un día...
Mitchell Funk tenía "tal sentimiento al hacer sus fotos, que no le importaba pagar el costo de las copias él mismo, para poder así mantener su libertad creativa". Y concluye la revista: "combina el espíritu del aficionado con la habilidad profesional. Esto podría ser una buena definición de lo que es un artista de la fotografía". Bueno, que así sea. Veamos ahora las "sensaciones de color" creadas por Mitchell en aquellos años. Después podrán descubrir cómo evolucionó su tecnica si visitan su propia página web. Este Mitchell es uno de los pocos sobrevivientes en activo y adaptado a las nuevas tecnologías...
No ponemos más. En su página encontrarán sensaciones saturadas de color como no han visto jamás: http://www.mitchellfunkart.com/
Podemos ver en sus galerías que fue hasta los noventas cuando se le pasó el susto de los cuchillos, pues empiezan a verse algunas personas en sus fotografías; aunque tienen las cejas fruncidas...
Como dijo Don Tiofilito (Teófilo Gautier): Quien no ha imitado nunca, no ha sido nunca original.
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No se.... se me ocurre por ejemplo la en la poesía el amor no correspondido, que es uno de los temas más usuales a lo largo de siglos y siglos... y no por ello es un tema agotado.
En la fotografía, pues cada uno conociendo el pasado le aporta cosas nuevas. Es cierto que fotos de calles donde se vean farolas y alguna ventana con las sombras de la luz del sol hay miles, pero es que hay que ser realista.... un contraluz con un escapa (doble) en diagonal siempre llama la atención, y si la gente que pasa aporta algo a la imagen, o hay algun elemento destacable que llene la foto mejor que mejor.
Yo por ejemplo mis fotos de agua las suelo hacer en unos cuantos ríos a los que voy de vez en cuando, y me doy cuenta que tiendo a hacer una y otra vez fotos en los mismos sitios con encuadres parecidos.... pero es que es lo que veo que tengo que fotograiar en ese momento, en lo que mis ojos me piden que fotografíe... eso si, despues nunca una foto es igual a otra, siempre hay algo que la hace diferente, la luz, la saturación, el encuadre,..." Pablo Álvarez Soria
La excusa para los pintores fracasados de Baudelaire...
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Sigan este blog. Las opiniones sirven para mejorar...
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Bueno, van las fotos:
¿Qué creen, cuáles son las que le gustarián a Visa y cuales no la tendrían muy satisfecha?
Ver lo que es y no lo que debería ser...
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¿Que hay detrás de una pintura?
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Visiones creadoras a velocidad increible...
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Cine vs Fotografía...
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La oportunidad en la fotografía...
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Sin trucos por favor...
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http://disderifotografia.blogspot.com/2010/02/veinte-y-la-continua-experimentacion.html
http://www.revistadelauniversidad.unam.mx/0704/contenido.html
Esencia y trascendencia...
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Aquí está el "horizonte de los sueños y las ambiciones más nítido y despejado" de Domingo Hurtado.
Pero esencia y trascendencia también significan lo más importante de las cosas; una es un estado, la otra es una consecuencia. En todo caso, hablamos de objetivismo y subjetivismo. Podemos representar la esencia de manera subjetiva, para resaltarla más... Después de esta reflexión tan profunda, volvamos a la soledad del hombre... Bueno, mejor ahí la dejamos.
Ser o no ser artista...
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Libros en el número veintitrés...
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Por sólo Usd. $ 3.94 lléveselo aquí: http://www.amazon.com/Complete-Photographer-Andreas-Feininger/dp/0131622552
EVE NOIRE, Hans Leuenberger. Editado por Hans Reich Verlag de Munich.
Lástima, un tesoro perdido, ninguna librería cibernética lo tiene.
Fotos de la mítica mujer africana con sus gestos, tradiciones y costumbres. Recoge desde el tatuaje y las pinturas corporales primitivas del Camerún y de los dos Congos, hasta las mujeres uniformadas de Accra, las profesionistas de Nigeria o las modelos de color de Londres y París.